Ancienne comédienne devenue soigneuse d’âme, Sonia Sellak explore ce qui se joue derrière nos rôles.

Entre masques, quête de reconnaissance et peur du vide, elle invite à accueillir les moments de flou comme des passages de transformation.

Un échange profond sur la présence, l’identité et le courage de ne plus savoir.

Et si jouer, c’était aussi apprendre à se laisser traverser… pour mieux se rencontrer ?

Sommaire

→ Le masque et la conscience de jouer

Nous avons tendance à nous enfermer dans une identité figée — un masque.

Reconnaître que nous portons des masques, dans la vie comme au théâtre
Accepter que jouer fait partie de l’existence
Être conscient, c’est savoir que l’on joue

Cette prise de conscience ouvre un espace de liberté.

→ Perdre ses repères : une chance

Les moments de flou sont souvent redoutés…
Mais ils peuvent être le point de bascule vers le changement.

Perdre ses repères = sortir de l’automatisme
Le doute peut être fertile
Le flou est une porte, pas une menace

→ “On est tous des artistes”

La vraie question n’est pas si nous sommes artistes, mais :

Est-ce qu’on laisse l’artiste en nous s’exprimer ?

La créativité est universelle
Ce qui bloque, c’est souvent la peur ou le cadre social

→ Le sentiment de marginalité

Se sentir “en dehors” est une expérience difficile :

Impression de ne pas appartenir à l’unité
Peur du regard des autres
Tension entre conformité et singularité

Pourtant, cet espace peut aussi devenir un lieu de création.

→ Jouer : désir ou validation ?

Derrière l’envie de jouer, il y a souvent :

Une quête de reconnaissance sociale
Le besoin d’être vu.e, validé.e

Mais une autre réalité existe :

Si on veut jouer, on peut jouer.

Nombreuses opportunités en amateur ou semi-professionnel
L’accès au jeu n’est pas le problème principal
La professionnalisation est beaucoup plus complexe

→ Deux tensions majeures

“Quand est-ce que tu vas faire un vrai métier ?”
“Je ne veux pas faire comme les autres.”

Le parcours artistique se situe souvent entre ces deux injonctions contradictoires.

→ La présence : ce qui inspire

Les acteur·ices marquant·es ont un point commun :

Une présence incarnée
Une capacité à transformer le regard

Leur jeu crée un avant / après chez le spectateur.

→ Ne pas s’identifier à ce que l’on vit

Se laisser traverser par les émotions
Ne pas se définir par elles

L’enjeu : rester en mouvement

→ Le piège du “je sais”

“Je sais ce que j’ai.”
“Je sais ce que je dois faire.”

Pourtant, rien ne change.

Pourquoi ?

Parce que l’ego résiste
Parce que changer implique de se déstabiliser

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Dans cet épisode de Vies de comédien.nes, je reçois le comédien et auteur Thomas Poitevin. Nous parlons de ce qui se joue derrière les “success stories” artistiques : la fatigue du métier, la solitude, les cachets alimentaires, les remises en question… et cette fameuse phrase qu’on entend partout : “C’est quand j’ai lâché que tout s’est aligné.”

Mais qu’est-ce que cela veut vraiment dire ?

Un échange très honnête sur la persévérance, le sens, la création… et la manière de continuer sans se détruire.

Sommaire de l’épisode

00:00 — Introduction et retrouvailles

Claire-Sophie présente Thomas Poitevin

05:30 — “J’étais en train de me reconvertir”

Thomas raconte le moment où il envisageait sérieusement de quitter le métier et de se former au montage.

08:10 — Que veut vraiment dire “lâcher prise” ?

Discussion sur cette phrase souvent entendue chez les artistes et sur ce qu’elle recouvre réellement.

09:40 — Se décentrer de soi pour survivre

Le montage vidéo comme manière de regarder les autres plutôt que d’être constamment au centre.

12:30 — Les débuts du seul en scène

Thomas revient sur son spectacle, Les Désespérés ne manquent pas de panache, la découverte du plaisir du personnage et du rapport au public.

15:45 — Les Arts Forains : l'équilibre difficile entre animation et création artistique

Le quotidien d’intermittent, les animations en soirées privées et la sensation de s’éloigner de ce qui compte vraiment.

19:20 — Le craquage en lutin de Noël

Thomas raconte le moment précis où il comprend qu’il ne peut plus continuer ainsi.

21:00 — Se donner un ultimatum réaliste

Comment réorganiser sa vie artistique sans fantasmer une réussite immédiate.

25:00 — “Ce n’est jamais assez”

La peur permanente de manquer de travail, même quand la carrière avance. Glenn Close et l’angoisse du métier d’acteur.

27:30 — La foi du comédien et La Mouette de Tchekhov

Une réflexion sur la persévérance artistique à travers le personnage de Nina.

32:40 — “Je ne sais rien faire d’autre”

Le vertige de devoir imaginer une autre vie professionnelle… et les compétences invisibles des comédiens.

34:30 — Transmission, pédagogie et mépris du “prof”

Pourquoi tant d’acteurs sous-estiment leurs capacités à transmettre et animer des groupes.

39:30 — Ce qu’on n’apprend pas dans les écoles de théâtre

Technique, relationnel, gestion entrepreneuriale : les angles morts de la formation des acteurs.

43:20 — Les structures culturelles, les ateliers et la fatigue du métier

Transformer les situations absurdes du milieu culturel en personnages comiques.

46:00 — Solitude, comparaison et nécessité du collectif

Pourquoi aller voir les autres travailler peut sauver un artiste de l’isolement.

49:10 — Capitaliser sur le bon

Thomas parle de son besoin de s’entourer et de construire des relations solides dans le travail.

51:20 — Le permis de conduire comme symbole

Une anecdote qui devient une réflexion sur les opportunités ratées et la capacité à rebondir.

54:00 — Les discours toxiques sur le succès et le “génie”

Pourquoi certaines interviews d’artistes peuvent faire du mal à ceux qui galèrent.

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Dans cet épisode Boîte à outils du podcast Vie de comédien.nes, Claire-Sophie Beau explore le lien entre création artistique, argent et représentations invisibles.
À partir du film À pied d’œuvre de Valérie Donzelli, elle questionne le mythe de l’artiste condamné à la précarité.
Faut-il souffrir ou renoncer à ses liens pour créer ? Et si ces choix relevaient avant tout de nos croyances ?
Un épisode pour repenser la valeur du travail artistique et ouvrir d’autres possibles économiques.
Une invitation à redonner puissance et liberté aux artistes dans leur rapport à l’argent.

C'est un épisode court de 7 minutes pour semer des graines dans la réflexion.

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Dans cet épisode, Dan Leclaire raconte son passage d’un métier artisanal (boucher-charcutier) à une carrière artistique, malgré l’idée très répandue que « magicien n’est pas un métier ».
Le déclic vient quand il comprend que son art peut répondre à un marché, notamment grâce à la magie en entreprise et au close-up.
Il insiste sur une règle simple : une prestation artistique doit être rémunérée, en distinguant clairement bénévolat, don et travail payé.
À un moment, il réalise qu’il est réellement un artiste qui vit de son art, ce qui lui permet de sortir du sentiment d’imposture.
Il livre ici sa manière de faire son métier : structurer son marché, mettre en place une stratégie et déléguer certaines tâches afin de développer son activité artistique comme une entreprise.

J’ai conscience que ce dialogue avec Dan Leclaire peut bousculer certain.e.s d’entre vous. C’est aussi le but de cet épisode : vous situer par rapport à ce qui est dit, évaluer votre désir ou votre malaise.

J'espère que cela vous inspirera !

Belle écoute !

Claire-Sophie Beau

Vies de comédien.nes est un podcast de coach pour comédiens et comédiennes, dédié à la vie d’artiste, pour apprendre à vendre son talent et réussir à vivre pleinement sa passion.

SOMMAIRE

4:15 – Changer de voie
Passage d’un parcours de boucher-charcutier-traiteur à la magie et au spectacle.

5:22 – Début de la carrière artistique
Entrée dans la vie professionnelle d’artiste après la mort de son père et confrontation à l’idée sociale que « magicien n’est pas un métier ».

8:21 – Peut-on gagner sa vie avec la magie ?
Magie en entreprise, close-up et création de formats adaptés au monde professionnel.

9:00 – Création d’un personnage
Le personnage de Jean-Georges, faux serveur magicien, et développement d’une signature artistique.

10:00 – Innovation et tournée internationale
Un tour de magie innovant qui permet une diffusion et une tournée mondiale.

11:45 – Dépasser les croyances limitantes
Au départ, lui-même pense que ce n’est « pas un vrai métier ».

12:46 – Construire son identité d’artiste
Comment s’identifier comme artiste quand on ne sait pas exactement ce que cela signifie.

14:12 – L’économie de l’artiste
Une prestation = une rémunération. Différence entre tarif, bénévolat, don et travail professionnel.

21:23 – Sortir du syndrome de l’imposteur
Prendre conscience qu’on est un artiste qui vit de son art.

22:50 – Structurer son marché
Identifier ses clients et clarifier son offre artistique.

24:50 – Ne pas tout faire seul
Apprendre à se faire aider et à déléguer.

30:00-43:00 – Construire une stratégie
Développer son activité artistique avec une vision et une organisation entrepreneuriale.

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Barbara Bolotner est une comédienne qui travaille majoritairement à l’écran ces dernières années. Elle raconte ce qu’elle met en place au quotidien pour chercher du travail même si elle a un bon agent. Elle détaille ses choix, et ses réflexions sur le métier.

Cet entretien m’a mise en énergie et j’espère qu’il vous fera le même effet!

Dans cet épisode, nous abordons notamment les thèmes de:

• L’argent dans le métier, comment on en parle, pourquoi on en a besoin

• De la proactivité pour chercher du travail

• De l’importance d’être “sympa” et de créer des liens authentiques

• De la place du désir et du lâcher prise

• De la foi

Belle écoute et Merci à Barbara Bolotner!

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« Je me suis fait plaiz. »

Cette phrase, je l’ai entendue de la bouche d’un comédien qui parlait de son seul-en-scène.
Traduction implicite : ça n’a pas été rentable, donc ce n’était pas vraiment du travail.

Dans cet épisode, je questionne cette idée profondément ancrée dans le milieu artistique :
si un spectacle ne rapporte pas d’argent, alors ce serait un loisir, un kiff personnel...

Or le spectacle vivant a des coûts fixes incompressibles.
Monter un spectacle, ce n’est pas “se faire plaisir” : c’est travailler, investir, produire, souvent à perte dans un système économique structurellement fragile.

Alors pourquoi continue-t-on à culpabiliser les artistes quand leur travail n’est pas immédiatement rentable ?
Un épisode de 8 minutes pour remettre de la clarté entre travail, passion, rentabilité et reconnaissance, et sortir du malentendu qui pèse lourd sur les artistes.

Je dédie cette réflexion à la mémoire de mon professeur Xavier Dupuis, de l'université Paris Dauphine.

On célèbre la barre des 1000 écoutes qui a été franchie avec cet épisode!

Merci à toutes et tous !

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J'aimerais parler aujourd’hui de l’hiver énergétique, celui qui s’empare de nous, nous les artistes, les indépendants. Vous savez ces moments où on se lève le matin, et on se dit, on fait quoi maintenant? Et il y a tellement de choses à faire : terminer l’écriture de mon nouveau spectacle, diffuser l’ancien, appeler des programmateur.ices, demander des subventions, écrire un projet d’atelier pour enfants en difficulté etc.etc. Et pourtant, vous savez quoi? Pfff, j’ai pas envie. J’y arrive pas même. C’est trop dur. Il me reste quelques temps d’indemnisation chômage, je vais m’octroyer une journée de loose. Je remarque qu’en fin de journée ça va mieux, je vais boire un verre avec une copine qui me remonte le moral. Mais le lendemain matin : paf, même phénomène. Je fais quoi? Je commence par quoi? Oh, c’est trop difficile. Alors je vais perdre du temps sur les réseaux sociaux pour voir ce que les autres font quand je ne fais rien etc.etc.

Je vais m’arrêter là, vous m’avez comprise.

Si vous voulez en savoir plus, écoutez la suite de l'épisode...

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Hazel Thibaud

Interview+Bonus

Passer les concours des écoles d'art dramatique est une épreuve pour beaucoup de comédien,nes et même des années après! . Hazel Thibaud, nous livre ici son expérience des concours, ses désillusions, et sa joie de jouer malgré tout. Les propos d’Hazel Thibaud sont des avis personnels. Ils ne tiennent pas lieu de vérité générale sur les écoles, les concours, les jurys d’école etc.

Ce qui m’intéresse dans cette interview c’est de sonder ses pensées de jeune comédienne, d'écouter son parcours et de vibrer avec elle. J'ai souhaité m'exprimer personnellement à la fin de cet entretien pour parler de mon expérience de jury de concours.

Cette interview a été enregistrée en mai 2025. Des pratiques ont peut-être déjà changé dans les écoles et certaines envoient des courriers de refus très bien formulés.

Sommaire de l'épisode

00:00 – Sa scolarité

02:30 – Conservatoire du Mans
Forte charge de travail, mais un statut encore perçu comme « amateur ».
→ Comment savoir quoi présenter ?
→ Quelles écoles viser ?
→ Quels concours passer ?

07:15 – Marseille : COPA, cycle spécialisé
20 heures de cours par semaine concentrées sur 2 jours.
Rencontre déterminante avec Pilar Antony.

16:00 – Révélation
« Je découvre avec le théâtre que je suis une grande amoureuse de l’école et de l’apprentissage… finalement. »

17:44 – Les concours des grandes écoles

19:00 – Le choix des scènes
Textes à la mode ? Classiques ? Prises de risque ?

22:00 – L’évidence en concours
« Si je te vois en concours, je te prends dans mon école. »

25:26 – Paradoxe
Plus je prépare les concours, plus je sens que je me désintéresse de les obtenir.

27:16 – L’entre-soi
Microcosme des écoles, fonctionnement des jurys.

31:28 – Le silence après les concours
Aucun mail de réponse, malgré les frais engagés.

35:00 – Réflexions sur l’école et le théâtre

39:00 – Analyse et regard de Claire-Sophie

43:00 – Bande-annonce de l’épisode

Définitions importantes pour suivre l'épisode :

- Le cycle spécialisé est une formation intensive en art dramatique destinée à des élèves déjà avancés, visant la professionnalisation et souvent la préparation aux concours des grandes écoles. Très exigeant (15 à 25 h par semaine, sélection sur audition), il est reconnu dans le milieu mais ne délivre pas de diplôme national.
-Le DTES est un diplôme national délivré par le Ministère de la Culture, accessible dans certains conservatoires classés, qui valide un niveau supérieur en art dramatique.
Exigeant et sélectif, il offre une reconnaissance institutionnelle et peut faciliter l’accès à certains dispositifs, sans garantir l’insertion professionnelle, mais constitue souvent un tremplin vers la suite du parcours.

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